Jinjer - El Teatro (jueves 29 de septiembre de 2022)

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Luego de varias postergaciones producto de la pandemia y finalmente la cancelación definitiva con motivo de la guerra con Rusia, los ucranianos Jinjer dieron el presente en El Teatro, ubicado en el porteño barrio de Flores, en el marco de su segunda visita a pagos argentos. Mucha gente se quedó sin verlos en esta ocasión, más que nada por la bronca reinante por el show cancelado (recordemos que la banda canceló su gira sudamericana, pero no así la norteamericana ni la europea) pero sobre todo por el mal manejo por parte de la productora original, e incluso del sistema de entradas, el cual hizo oídos sordos a los reclamos por parte de quienes sacaron su entrada y no pudieron hacer uso de la misma en esta nueva ocasión, debiendo adquirir un nuevo ticket por casi el cuádruple del valor original. Recordemos además que la banda tenía planeado grabar su show en vivo en Argentina para un próximo DVD, cosa que finalmente nunca sucedió y se terminó grabando en Australia, ya que la situación sanitaria no permitió hacerlo en Argentina. El show en Melbourne, el cual fue el último de la banda antes del confinamiento global, se puede ver de forma gratuíta en YouTube:

 

Dejando de lado esta seguidilla de acontecimientos amargos, al menos para el público argentino, el recinto de turno abrió sus puertas a las 19:00 horas, momento en el cual los primeros en llegar se acomodaron fácilmente en las vallas de contención que divide el escenario de la gente. Quince minutos después, apareció en escena la primera de las dos bandas soporte: Kobal. El trío oriundo de Luján dio a conocer su propuesta, muy rica en influencias, por espacio de media hora, llevándose sus merecidos aplausos e incluso ovaciones. Muy interesante el trabajo de voces, a cargo del trío en su totalidad. A las 20:00 horas, llegó el turno del también trío Themeria y su propuesta un tanto más tech, bastante influenciada en los locales Arde La Sangre, no solo a nivel estético sino también musical.

Y a las 21:30 horas, sin anestesia de por medio y con un local a un 90% de ocupación, los comandados por la siempre talentosa y atractiva Tatiana Shmaylyuk tomaron por asalto el escenario de El Teatro, tal como lo hicieron en Vorterix a fines de 2018, aunque en esta ocasión con la tipografía de Jinjer en colores azul y amarillo, característicos de la enseña de la Ucrania natal de la banda, proyectada en una pantalla detrás del set de batería de Vladislav Ulasevich. El arranque, de la mano de "Sit Stay Roll Over", dio a entender a la audiencia presente que la cosa venía picante. Muy picante. Sonido arrollador, aunque no perfecto, desde el inicio y hasta el final. Y entrega máxima por parte de los protagonistas de la noche, quienes supieron transmitir esa entrega al público, quien a su vez hizo de combustible para que la banda no afloje en ningún momento. Se sabe que la banda quedó enamorada de Sudamérica luego de su primera visita, a tal punto que el bajista Eugene Abdiukhanov se tatuó un motivo 100% latino con la frase "Latinoamérica en mi corazón" en su brazo izquierdo, durante su paso por Montevideo, Uruguay, en 2018. Por tanto, se sabía de antemano que la entrega sería absoluta. Y así fue. Recién al sexto tema del set, los ucranianos se calmaron apenas unos instantes, precisamente en los aires reggae de "Judgement (& Punishment)". Otro momento de calma, momentánea desde ya, vino de la mano del aclamado y vitoreado "Pisces", cuyo video en plan live session en YouTube tiene la friolera de 68.249.105 de vistas al momento de redactar esta crónica. Sin lugar a dudas, de los momentos más festejados de la noche. El final llegó con el rabioso "Captain Clock", pero claramente la banda no pudo despedirse tan fácilmente de Argentina, por lo que volvieron a escena y se despacharon con "Vortex", primer corte difusión de "Wallflowers", último registro discográfico de la banda. En total, fueron quince los temas ejecutados, siendo cinco los representantes de "Wallflowers", cuatro de "King Of Everything" y "Macro" y dos de "Micro", no habiendo sonado ningún tema de los dos primeros discos de la banda, "Inhale, Don't Breathe", y "Cloud Factory".

Show corto (hora y cuarto de duración) pero sumamente contundente. Desde este punto del planeta, esperamos no pase mucho tiempo sin volver a saber de estos ucranianos, quienes además de haber ascendido meteóricamente como exponentes de la música extrema moderna contemporánea, claramente se ganaron un lugar en nuestro corazón.


Setlist:

01. Sit Stay Roll Over
02. On the Top
03. Pit of Consciousness
04. I Speak Astronomy
05. Disclosure!
06. Judgement (& Punishment)
07. Sleep of the Righteous
08. Teacher, Teacher!
09. Perennial
10. As I Boil Ice
11. Pisces
12. Home Back
13. Call Me a Symbol
14. Captain Clock
15. Vortex

 

Machine Head anuncia oficialmente el lanzamiento de su décimo disco de estudio

Machine Head lanzará su décimo álbum de estudio, "Øf Kingdøm and Crøwn", el próximo 26 de agosto a través de Nuclear Blast/Imperium Recordings. El sucesor de "Catharsis" (2018) incluirá las tres canciones que aparecieron en el single "Arrows In Words From The Sky" del año pasado: "Become The Firestorm", "Rotten" y "Arrows In Words From The Sky". Gran parte del disco se grabó en los Sharkbite Studios de Oakland, California, con el productor Zack Ohren.

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"Øf Kingdøm and Crøwn"es un álbum conceptual de trece pistas, ambientado en un páramo futurista diezmado donde el cielo está teñido color rojo carmesí. El quid de la historia se basa en dos personajes principales: el principal es Ares (pronunciado Aries), quien pierde al amor de su vida (Amethyst) y emprende un raid asesino contra la vil secta responsable de su asesinato; el segundo personaje es el perpetrador Eros (pronunciado Arrows), quien pierde a su madre por una sobredosis de drogas y se radicaliza después. Eros se vuelve loco y manifiesta su propia ola de asesinatos. Las letras detallan cómo se entrelazan sus vidas.

Robb Flynn, fundador de Machine Head, comenta: "gracias a mis dos hijos adolescentes, mi familia se ha obsesionado con esta increíble serie de anime japonesa llamada 'Attack On Titan'. El concepto del disco se inspiró libremente en la serie, en el sentido de que en la trama no hay un tipo 'bueno' o 'malo'; ambos personajes creen que están haciendo lo correcto según se aplica a su ser, pero no se equivoquen, ambos están cometiendo actos de pura atrocidad y maldad. El tema de apertura, 'Slaughter The Martyr', es básicamente la historia del origen de nuestro personaje principal".

Este concepto colosal viene acompañado de una lista de empaques igualmente colosales para varios formatos físicos, incluídos dieciseis formatos de vinilo diferentes en todo el mundo, boxset de vinilos de lujo (con pistas adicionales), CD (en sus ediciones longbox y jewel box), cassettes multicolores, y un digipak de edición limitada con bonus tracks. Los CDs, digipak, cassettes y todos los formatos digitales estarán disponibles el 26 de agosto, mientras que todos los formatos de vinilo llegarán el 25 de noviembre.

Flynn dijo recientemente a la revista Metal Hammer sobre la dirección musical del nuevo material de Machine Head: "es similar a 'Through The Ashes Of Empires' de 2003 y 'The Blackening' de 2007 en el sentido que estamos avanzando hacia algo fresco y nuevo, pero tiene esa vibra clásica de Machine Head. Tenemos mucho que ofrecer y las expectativas son muy altas, así que tengo la suerte de tener gente genial rodeándome. Jared [MacEachern, bajista] realmente dio un paso adelante y compuso algunos riffs y voces geniales. Vogg [el guitarrista Wacław Kiełtyka de Decapitated] contribuyó con algunas ideas y trajo algunas canciones realmente geniales".

Continuó: "es jodidamente pesado, probablemente lo más pesado que hemos sido en varios discos. He estado tocando mucho la guitarra recientemente; hago Electric Happy Hours todos los viernes y, a veces, tocas una canción que no has tocado en diez, veinte años, o pasar por un disco completo de principio a fin. Cuando hicimos la gira de 'Burn My Eyes', me llevó de vuelta a donde estaba escribiendo esa música. No creo que pueda volver a estar en ese lugar líricamente hablando, pero en cuanto a los riffs, creo que todo se derramó en este disco".

Tracklist:

01. Slaughter The Martyr
02. Choke On The Ashes Of Your Hate
03. Become The Firestorm
04. Overdose
05. My Hands Are Empty
06. Unhallowed
07. Assimilate
08. Kill Thy Enemies
09. No Gods, No Masters
10. Bloodshot
11. Rotten
12. Terminus
13. Arrows In Words From The Sky

Bonus tracks de la edición Digipak CD:

14. Exteroception
15. Arrows In Words From The Sky (acústico)

Meshuggah - Immutable (2022)

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Inconformistas, pioneros, únicos e inmutables. Así se definen y así definimos a los suecos más innovadores en materia de música extrema. Estamos hablando de Meshuggah y su flamante noveno larga duración Immutable, destinado a ser uno de los lanzamientos más aclamados y comentados de 2022.

Desde el salvajismo innovador de Destroy Erase Improve de 1995, hasta las exploraciones tecnológicas y psicodélicas de Catch Thirty Three y el simplificadamente grotesco ObZen y Koloss, Meshuggah siempre ha estado muy por delante del juego y claramente sin igual. Como dice el eslogan de una famosa pizzería argentina de bajo costo: siempre imitados, nunca igualados. Seis años después del más reciente álbum completo de la banda, The Violent Sleep Of Reason, 2022 trae una nueva y temible revelación por parte de Meshuggah. Rompiendo incluso las expectativas más altas, el noveno álbum de la banda es simplemente su aventura sónica más salvaje y esotérica al día de hoy.

Para el guitarrista Mårten Hagström, la tarea de embarcarse en otra odisea de tech-metal sin precedentes era imposible de resistir. “Para nosotros, no estaba tan claro que estábamos haciendo un nuevo disco. Sabíamos que podíamos hacerlo, pero queríamos hacerlo?”, dice. “Tuvimos que decidir, estamos haciendo esto o qué más estamos haciendo? Después de una muy larga discusión, acordamos ciertas cosas. Haríamos un disco con la menor cantidad de restricciones posible. Entraríamos e intentaríamos hacer un disco lo más genial posible, no ser ansiosos al respecto y verlo como una oportunidad. ¿Cómo hacemos de esto un desafío que tengamos ganas de aceptar y estar a la altura? Rápidamente, tuvimos un punto de partida. Todos empezamos a componer, la rueda empezó a girar y de repente estábamos sentados allí, discutiendo cuántas canciones íbamos a tener que dejar afuera”.

Immutable fue grabado de manera inusual: mayormente en los Sweetspot Studios de Halmstad, Suecia, pero en partes y en distintas locaciones y estudios, como por ejemplo la voz de Jens Kidman en su propio estudio y la guitarra de Fredrik Thordendal, quien volvió a la banda para la ocasión (recordemos que se tomó un tiempo para grabar material solista que aún no vio la luz del día y mientras tanto, fue reemplazado en vivo por Per Nilsson de Scar Symmetry), en su propio Studio 33. Volviendo a Thordendal, su participación en Immutable se reduce a los solos, siendo mayormente responsable de las ocho cuerdas su co-equipper Mårten Hagström.

Producto de este rompecabezas, es muy posible que el disco se aleje significativamente de los riffs implacables y la agitación monocromática de Koloss o incluso, me animo a decir, The Violent Sleep Of Reason, aunque resulte inevitable el paralelismo con éstos y otros discos de la banda para el oído poco entrenado al sonido de los suecos.

“Dick (Lövgren, bajista) nos presentó Sweetspot, siendo un viejo amigo de Rickard”, recuerda Mårten. “Tienen mucha experiencia, pero principalmente con otros géneros musicales. Fuimos a un gran cobertizo en el medio del campo! No teníamos giras en curso, así que alquilamos un bus de gira barato. Lo condujimos hasta allí y vivimos ahí. Así que básicamente nos fuimos de gira para grabar el álbum. Pero fue todo muy relajado. Buscamos la comodidad, la calidad y una situación de trabajo en la que no nos sintiéramos estresados en absoluto. Eso fue increíble y las partes más fuertes de este disco se deben a eso”.

Sobre qué deben esperar los fans, Mårten dijo al respecto: “este álbum es más melódico. Es más largo y, en mi opinión, es más dinámico que la mayoría de nuestros discos”, afirma. “Pongámoslo de esta manera, hemos juntado trece pistas, en un orden que hace que el disco fluya de forma natural. Algunas partes son realmente lentas y suaves. Tiene muchas más cosas que creemos se han vuelto importantes a medida que fuimos envejeciendo. El tipo de material que une la música. ‘Chaosphere’ es increíble, es frenético, errático y agresivo, pero no es nada más que eso. Este disco tiene material frenético y agresivo, un montón, pero también tiene muchas otras cosas”.

Sobre la calidad de los músicos de Meshuggah, no hay mucho para decir que ya no se sepa. Sin embargo, el baterista Tomas Haake de alguna manera ha superado sus increíbles logros pasados, y Mårten se encarga de alabarlo: “Tomas siempre ha sido un monstruo detrás de la batería, pero creo que esta vez logramos capturar más de su estilo de batería. Como he dicho, Tomas siempre ha sonado genial, pero acá está un escalón más arriba”.

“El título encaja perfectamente con el lugar en el que nos encontramos como banda”, concluye Mårten. “Somos mayores ahora. La mayoría de nosotros tenemos cincuenta y tantos años ahora y nos hemos asentado en lo que somos. Aunque hemos estado experimentando todo el tiempo, también creo que hemos sido los mismos desde el primer día. La forma de acercarnos a las cosas y por qué todavía seguimos lanzando nuevos discos, y por qué todavía sonamos de la manera que lo hacemos, es inmutable. La humanidad también es inmutable. Cometemos los mismos errores una y otra vez. Y somos inmutables. Hacemos lo que hacemos y no cambiamos”.

Ahora hablemos del disco y de las trece pistas que nombraba el guitarrista Mårten Hagström más arriba. Para empezar, y en discrepancia a sus dichos, personalmente Immutable no me pareció muy melódico que digamos. Convengamos que no es tarea fácil encontrar melodías en Meshuggah. Quizás Mårten y yo pensemos distinto en cuanto a matices de melodía se refiere. Detenerse en cada tema sería bastante redundante, así que simplemente me limitaré a enumerar los distintos momentos que más me llamaron la atención respecto a Immutable.

El disco comienza de la mano de “Broken Cog” con un Jens Kidman que susurra a voz limpia (tal como lo ha hecho en ocasiones anteriores) hasta apenas pasados los tres minutos de duración, donde el tema recién termina de arrancar y donde se escucha al frontman cantar como mejor lo sabe hacer. Sigue el genial “The Abysmal Eye”, primer corte difusión de Immutable, cuyo video (ver más abajo) es de lo más surrealista que se haya visto en los últimos tiempos.

El clímax de “Phantoms”, cuarta pista del disco, recuerda muchísimo a “Nothing”, uno de los discos más queridos de la banda. “Ligature Marks” es el tema cuyo snippet de apenas unos segundos dio a conocer Meshuggah cuando anunció en sociedad el lanzamiento de Immutable. Al momento, de lo más gustoso del disco.

Le sucede “God He Sees In Mirrors”, tema que destrona a su antecesor en cuanto a gusto se refiere. Y acá sí me detengo un momento para hacer mención a la pregunta que me hizo un amigo a quien le hice escucharlo: “¿Cómo harán los temas?”, en clara alusión a la complejidad del track en cuestión, el cual seguramente dejará pensando boquiabierto a más de un músico. Todo calza perfecto, pero de la manera a la cual solo Meshuggah puede hacerlo posible. Por ahora, lejos lo mejor del disco.

Le sigue el instrumental “They Move Below”, el tema más largo del lanzamiento, el cual acusa prácticamente los diez minutos de duración, más que nada por la intro de guitarras limpias de casi dos minutos y medio, en donde le dan un respiro al escucha. Una suerte de interludio que oficia de ojo del huracán, dividiendo la primera parte de la tormenta de la segunda. No por nada es el tema central del disco, respiro que termina raudamente, claro, para dar lugar al resto de la banda, notas arrastradas; estiradas e incluso armonizadas y mucho djent mediante. “Kaleidoscope” comienza a puro djent, y así se mantiene prácticamente hasta el final.

“Black Cathedral” es una suerte de interludio en donde se dejan escuchar dos guitarras en plan blackmetalero, recorriendo distintas notas hasta llegar a la octava cuerda y sus notas más graves, donde es casi imposible para el oído humano poder reconocerlas. “Armies Of The Preposterous” es otro de esos temas super complejos en donde uno no se explica cómo lograron hacerlo. Otro gran momento del disco. Y el cierre llega de la mano de “Past Tense”, seis minutos a puro deleite de guitarras limpias en perfecto plan “The Last Vigil” de Koloss, el cual hace las veces de postre para un plato fuerte que dejará más que satisfecho a más de uno. Me incluyo.

Legendario. Único. Inmutable. Meshuggah se gana la vida volando cabezas. Y con Immutable, su obra más explosiva al momento, lo volvieron a hacer.


Setlist:

01. Broken Cog (05:48)
02. The Abysmal Eye (05:07)
03. Light The Shortening Fuse (04:38)
04. Phantoms (05:04)
05. Ligature Marks (05:25)
06. God He Sees In Mirrors (05:39)
07. They Move Below (09:56)
08. Kaleidoscope (04:16)
09. Black Cathedral (02:04)
10. I Am That Thirst (04:49)
11. The Faultless (04:58)
12. Armies Of The Preposterous (05:27)
13. Past Tense (05:57)

Duración: 69min 08seg

Limp Bizkit - "Still Sucks" (2021)

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Corría el viernes 29 de octubre de 2021 y los liderados por el carismático y siempre odiado y amado Fred Durst anunciaron la salida de su ¿esperado? sexto disco de estudio para el 31 de octubre. Es decir dos días después y en un día nada común para el lanzamiento de nuevos registros (es decir un domingo en vez de un viernes). Boom.

Por qué "¿esperado?" y no "esperado". Justamente por este motivo. Porque nadie se lo veía venir. O mejor dicho, se viene esperando un nuevo trabajo discográfico de Limp Bizkit, es decir el sucesor de "Gold Cobra", desde 2012. Momento en el que anunciaron con bombos y platillos que su esperado nuevo disco se titularía "Stampede of the Disco Elephants". Se acuerdan? Después se corrió para 2014, momento en el que la banda dejó Cash Money Records, su sello en ese entonces. A partir de ese momento, el álbum permaneció en desarrollo durante años sin una fecha de lanzamiento confirmada. El guitarrista Wes Borland ya había terminado de componer y grabar las guitarras del disco, pero a fines de 2017 declaró que su coequiper Fred Durst todavía estaba trabajando en sus partes. En julio de 2017, Durst afirmó en Instagram que el álbum ya había estado disponible online durante un año y medio en la plataforma Soulseek, pero Borland refutó esto diciendo que "no se de qué está hablando" Fred Durst. Borland reiteró nuevamente el progreso de la banda en noviembre de 2018. Los cuatro temas que se habían editado a modo de single entre 2012 y 2014, es decir "Lightz (City of Angels)"; "Ready To Go" con Lil Wayne; "Thieves" (cover de Ministry) y "Endless Slaughter", finalmente se eliminaron del disco. En la edición 2021 del mítico festival Lollapalooza, llevado a cabo en Chicago en julio pasado, la banda terminó su set con un tema llamado "Dad Vibes", que Durst adelantó que formaría parte del próximo disco. Además de esto, una pista de hip hop llamada "Turn It Up, Bitch!" según DJ Lethal, se ha utilizado como salida para los shows en Chicago y Wallingford, y en este último se anunció que sería la cuarta pista del nuevo álbum.

Listo el background y parte de la histeria historia en torno al disco. Ahora vamos a lo que realmente nos compete: el disco en sí mismo. La apertura de la mano de "Out Of Style" nos transporta automática e inmediatamente a 1999. Un genial riff saltarín y, creo yo, muy difícil de reproducir en vivo a cargo de un Borland en llamas y un Durst rapeando como en las mejores épocas, aunque bastante melódico por momentos. Le sigue "Dirty Rotten Bizkit", otro gran momento del disco. Y eso que recién empieza. En este punto, definitivamente aterrizamos con un DeLorean DMC en 1999. Con tan solo 03:01 de duración, el tema nos transporta por distintos momentos de la carrera de Limp Bizkit, aunque nunca por "Three Dollar Bill, Y'all$", el debut de la banda, crudo y rabioso por donde se lo escuche. Llega el turno del ya conocido "Dad Vibes". Un tema que al principio parecía más un interludio entre tema y tema, pero que al escucharlo en su versión final en el disco, resulta ser un tema más. Y bastante pegadizo. Un tema en el que Durst ironiza sobre su rol de padre a los 51 años de edad, rapeando calmadamente pero siempre con groove. Si. Fred Durst tiene 51 años de edad. Le sucede el antes mencionado "Turn It Up, Bitch!", un hip hop con contrabajo sampleado al mejor estilo House Of Pain o Cypress Hill, donde Durst rapea a más no poder sobre el regreso de la banda en particular y el nü metal en general. Y es recién ahora donde el disco se calma un momento de la mano de "Don't Change" de INXS, un tema que recuerda levemente a Oasis y a la versión de "Behind Blue Eyes" de The Who, incluída en "Results May Vary" (2003). Sigue "You Bring Out the Worst in Me", tema que nos retrotrae a "Significant Other" a primera escucha, al menos al principio, y en donde Fred Durst saca a relucir por primera vez en el disco su rabia, gritos mediante como en sus mejores épocas, aunque para la ocasión apoyado en distintos efectos de distorsión. Le sigue otro gran momento del disco, "Love The Hate", en donde Durst se autoflagela en formato de insulto, junto con otra voz que también lo denefestra, siempre en plan irónico, claro. Este sí es más un interludio que un tema con sus casi dos minutos de duración. Llega "Barnacle", un tema en perfecto plan Stone Temple Pilots donde nuevamente el frontman muestra su enojo, pudriendo su voz durante unos instantes. Díganme si la melodía cantada del estribillo no les recuerda a "Sex Type Thing" de STP. Con "Empty Hole" llega el segundo momento desenchufado del disco. Un tema que parece estar de más y en donde Durst se luce tras el micófono, pero que al durar también menos de dos minutos, se deja escuchar, más con los acordes acústicos de Borland, que llenan en todo momento. "Pill Popper" llega para levantar un poco el clima reinante, esta vez en plan industrial, y nuevamente con un Durst que explota en el estribillo, siempre respaldado por distorsiones y efectos varios. Le sigue "Snacky Poo", el tema más largo del disco con sus 04:11 de duración. Un hip hop super fiel al Limp Bizkit de "Significant Other". Y el plan unplugged vuelve una vez más de la mano de "Goodbye", último track del disco, siendo el tercer tema "desenchufado" de un disco que reúne doce tracks en casi treinta y dos minutos de duración.

Para el curioso que llegó hasta este punto de la reseña sin haber escuchado el disco, así como aquel que me ha preguntado por otras redes y canales qué opino del disco, mi respuesta es que si te considerás un hardcore fan de Limp Bizkit o incluso un simpatizante de la banda, lo escuches sin miedo. Te vas a encontrar con un Fred Durst un poco más apagado que de costumbre (de nuevo, estamos hablando de un hombre de familia de 51 años de edad y no de un jóven rebelde de 29, que pedía romper todo en "Break Stuff") pero con el mismo groove de siempre. Un Wes Borland IMPLACABLE tras las seis cuerdas. Un John Otto que cumple como siempre (si bien forma parte de los créditos del disco, en vivo lo está reemplazando Brandon Pertzborn, baterista de Black Flag y Marilyn Manson, entre otras, ya que supuestamente Otto estaría en rehabilitación, así no haya trascendido oficialmente). Un Sam Rivers sólido en estudio, pero de desmejorada apariencia física, teóricamente producto de una disfunción hepática por excesos con el alcohol (incluso fue transplantado recientemente). Y un DJ Lethal activo como siempre. "Still Sucks" cuenta con grandes momentos (empezando por los primeros dos temas), así como con canciones que quizás estén de más. Pero en media hora (la duración promedio de los temas no alcanza los tres minutos) se pueden escuchar sin ningún inconveniente.

Semejante espera para un disco de media hora? Tómalo o déjalo. La cuestión es que Limp Bizkit volvió al ruedo después de un gran letargo para demostrar que el nü metal sigue más vivo que nunca. Y que siguen haciéndote mover cualquier extremidad del cuerpo con el mismo beat que escuchamos hace poco más de veinte años atrás. Te guste o no.


Setlist:

01. Out of Style (03:22)
02. Dirty Rotten Bizkit (03:01)
03. Dad Vibes (02:12)
04. Turn It Up, Bitch (02:20)
05. Don't Change (cover de INXS) (02:55)
06. You Bring Out the Worst in Me (03:12)
07. Love the Hate (01:56)
08. Barnacle (01:55)
09. Empty Hole (01:52)
10. Pill Popper (02:24)
11. Snacky Poo (04:11)
12. Goodbye (02:35)

Duración: 31min 55seg

A treinta años de "Contradictions Collapse"

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Si alguna banda me demostró que literalmente existe un colapso de contradicciones, ya sea en lo lírico, en lo musical e incluso en la orientación musical, dicha banda fue; es y siempre será Meshuggah. Una banda sueca, nacida en un pueblito llamado Umeå, en donde lo más parecido a hacer otra cosa que no sea sudar la casaca para beneficio de un patrón, era hacer música. Y como los Meshuggah necesitaban exteriorizar sus frustraciones, enojos y rabia contenida, decidieron juntarse y grabar un disco al que originalmente llamaron "(All This Because Of) Greed" (algo así como "todo esto es por codicia") pero que finalmente devino en "Contradictions Collapse", el disco que todos conocemos como el debut de Meshuggah. Disco que este año, precisamente el día internacional del trabajador, cumple nada más ni nada menos que treinta años.

Si, tres décadas de un disco que al principio para muchos, fue un disco más, de una banda más. Otro disco thrashero, de otra banda thrashera. Y todo por el tupá tupá que marca el arranque del disco, de la mano de "Paralyzing Ignorance", un tema que de movida arranca... raro. Raro para la época. Raro para el género. Simplemente raro. Cadencia jazzera pero rabiosa, distorsionada, violenta. Y que luego de un machaque, deviene en un thrash hecho y derecho. Primero a medio tiempo y luego a tiempo completo y a toda velocidad. Según los eruditos en la materia, el debut de Meshuggah no se trataba de otra cosa más que de un híbrido entre tres subgéneros del palo: el antes mencionado thrash metal, el metal progresivo y el no muy bien visto metal alternativo. Este último quizás por la época. Epoca de grunge y reinvención del metal y del thrash metal en particular. Lo cierto es que "Contradictions Collapse" es un híbrido, un hermoso experimento, estamos de acuerdo, pero muy personal. Al momento, y con mis cuarenta y dos años, puedo dar fe: hasta ese momento, no había banda que sonara como Meshuggah. Era como si el dial de nuestra radio favorita de metal se cruzara con una de jazz, pero sonando armoniosa y sincopadamente al mismo tiempo.

Donde mejor definiría al debut de los suecos es en "Erroneous Manipulation", segundo track del disco. Un tema que aparenta ser uno más del montón, pero que tiene una dirección increíble, unos matices grandiosos y un groove nunca antes escuchado. En el track en cuestión es donde más se luce el baterista Tomas Haake, uno de los miembros fundadores de Meshuggah y a su vez, uno de los músicos más idolatrados y respetados tras los parches, además ideólogo del Drumkit From Hell, The Metal Foundry y Metalheads, expansiones de las aclamadas aplicaciones de audio EZ Drummer y Superior Drummer de Toontrack, grabados en Dugout Studio por el mismísimo Tomas Haake, el ingeniero Daniel Bergstrand (In Flames, Meshuggah), Mattias Eklund (Toontrack) y el recientemente reincorporado Fredrik Thordendal, guitarrista y miembro fundador de Meshuggah. Si, por si no lo sabían, Fredrik se reincorporó a la banda después de un impasse en el que se supone que compuso o grabó (o las dos cosas juntas) su segundo disco solista.

Volviendo al disco, seguimos con “Abnegating Cecity”, un thrash metal progresivo que desde el arranque no da respiro, atraviesa distintos tempos y en el cual nos encontramos lo que para muchos es el origen del djent, esa técnica de palm muting trabado que luego muchos (muchísimos) copiaron e incluso llamaron y siguen llamando subgénero. No, gente. El djent es una técnica de guitarra. No un subgénero musical. En lo sucesivo, una vez que nos damos cuenta, comenzamos a escuchar cada vez más djent en el disco. Quizás no tanto (o no tan definido) como en los discos que suceden a “Contradictions Collapse”.

En “Internal Evidence”, seguimos evidenciando el potencial y técnica de la banda. Incluso, siendo el cuarto track del disco, confirmamos lo que veníamos pensando desde el comienzo del disco: qué raro toca Fredrik Thordendal! No mal. Sino raro. Sus solos juegan con notas que caen perfecto en el tema, pero uno no entiende cómo. Es como si tocara en reversa pero con la particularidad que las notas caen donde tienen que caer. Resulta muy interesante escuchar al guitarrista, sobre todo en los solos, muy jazzeros incluso.

Llega “Qualms Of Reality” y con éste, nuevamente confirmamos otra teoría: “Contradictions Collapse” es una suerte de “... And Justice For All” de Metallica pero más violento y progresivo. No una copia, claro. Sino un modelo a seguir. Modelo que quedó plasmado únicamente en el debut de los suecos. Es recién en este tema que los Meshuggah bajan unos cuantos cambios. Promediando el tema, aparecen guitarras acústicas, súper limpias, y un Tomas Hakke que descansa un poco, reposándose sobre el aro de su redoblante, mientras Thordendal se despacha con un emotivo solo de tintes jazzeros pero mucho más redondo que los que venía haciendo. Es recién después de este bello paisaje que la banda da lugar a uno de los momentos más rápidos y agresivos de toda su carrera. Un gran cambio de clima.

“We'll Never See the Day” es otro Señor Thrash (progresivo siempre). De hecho es, junto con “Erroneous Manipulation”, de lo más gustoso del disco. Sin desmerecer al resto, claro. Es muy difícil quedarse con un tema de este registro discográfico. Algunos tienen más ingredientes. Algunos tienen más climas, más paisajes. Realmente todos tienen lo suyo. En todos, sobresale la precisión y la calidad de los músicos.

Aunque si nos tenemos que detener en la precisión, creo que el premio mayor se lo lleva “Greed”, antepenúltimo tema del álbum. Tema que incluye uno de los solos más rápidos de Thordendal, no solo del disco sino incluso de toda su carrera.

Llegando al final, nos encontramos con “Choirs of Devastation”, a mi parecer el mejor tema del disco. No porque sea instrumental (aunque en las estrofas, hay una voz hablada que queda siempre en el fondo). Entonces por qué me parece el mejor tema del disco? Porque tiene todos los condimentos de una obra maestra. Una intro grandiosa, con un tenue solo de guitarra armonizado apoyado sobre un arpegio a base de guitarra acústica, un arranque que delinea perfectamente lo que se viene, un machaque y una base que Meshuggah adoptará en lo sucesivo, más guitarras armonizadas (muy raro en los suecos) y un final que termina dándole forma a modo de desenlace a un arranque que durante todo el tema fue marcando el camino. Con tan solo cuatro minutos de duración (“Choirs of Devastation” es el tema más corto del disco), la banda muestra perfectamente su propuesta e incluso da a conocer lo que seguirá haciendo a lo largo de los años.

Para el final, llega “Cadaverous Mastication”, el tema más largo del disco, acusando poco más de siete minutos y medio. A mi parecer, el cierre perfecto para un disco que aunque no es tan logrado como sus trabajos posteriores, definitivamente vale la pena escuchar. Por qué cierre perfecto? Porque hace las veces de resumen del disco, conteniendo absolutamente todos los ingredientes dentro del mismo. Y por qué “Contradictions Collapse” no me parece un disco tan logrado en relación a sus sucesores? Porque si bien el sonido es perfecto para la época, para un debut discográfico y para una banda que en ese entonces era la nada misma, es a partir del EP “None” de 1994, es decir su trabajo posterior, que la banda decide encarar nuevos caminos, atravesando territorios nunca antes explorados. Y es a partir de este momento que la banda logra todo lo que se propone. Y más también. E incluso sorprende. Y al día de hoy, no deja de sorprender.

 

Deftones - "Ohms" (2020)

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Finalmente, y luego de un lapso de cuatro años entre disco y disco, llega "Ohms", el esperadísimo noveno registro discográfico de los oriundos de Sacramento. Se trata del primer disco de Deftones desde su homónimo de 2003 en ser producido por el legendario Terry Date (Bring Me The Horizon, Soundgarden, Pantera, Limp Bizkit, White Zombie, Overkill, Slipknot, Dream Theater, The Smashing Pumpkins y un larguísimo etcétera), aunque se dice que el productor trabajó con la banda en 2008, precisamente en las sesiones de "Eros", el disco que nunca vio la luz del día por decisión unánime de la banda: "mientras terminábamos ´Eros´, nos dimos cuenta que este álbum no representa lo que somos actualmente como personas y músicos. Y aunque estas canciones verán la luz algún día, colectivamente decidimos que debemos tomar una nueva perspectiva. Necesitábamos regresar al estudio para hacer lo que sentimos está bien artísticamente".

Durante agosto pasado, Deftones comenzó a dar pistas sobre su nuevo disco. En primera instancia, la banda realizó publicaciones crípticas en sus redes, su web oficial y en animaciones hechas por medio de la función "Canvas" de Spotify. Una vez desencriptadas estas publicaciones, las mismas dieron a conocer la palabra "ohms" y las coordenadas que llevaban a una gigantografía publicitaria sita en Los Angeles, en donde se dejaba ver parte de la portada del disco. La campaña de promoción de "Ohms" dio por finalizada, anuncio formal mediante, acompañada del video correspondiente al primer single, el tema que le da nombre al disco.

El álbum abre con "Genesis", el segundo tema que la banda dio a conocer, precisamente el 18 de septiembre pasado. Deftones en su máximo esplendor: guitarras super graves y potentes, voz desgarrada al tope (que luego deviene versatilmente a limpia, para volver a desgarrarse en un puñado de oportunidades más) y una base sólida pero bien groovera, propia del bajista Sergio Vega y del baterista Abe Cunningham. Le sigue "Ceremony", otro tema bien ala Deftones que recuerda a los mejores momentos de la banda post "White Pony". Nuevamente, al igual que en "Genesis", los coros juegan un papel fundamental. Sospecho que "Ceremony" será de los nuevos temas más vitoreados y festejados en vivo cuando podamos volver a los recitales. Algo así pienso de "Urantia", tercer tema del disco. El arranque a puro machaque, que anticipa lo que viene, y Chino Moreno susurrando una de sus mejores líneas vocales, hacen del tema uno de los mejores estandartes del disco. Y recién vamos por el tercer tema! Le sigue "Error", un tema en plan up-tempo pero en la misma vena y dirección de "Ohms": mucho groove y líneas melódicas, principalmente en el estribillo, sobre una contundente pared rítmica que no para nunca, al menos hasta el puente del tema, aunque sin perder intensidad en ningún momento. "The Spell Of Mathematics" arranca con la misma fuerza de "Genesis": Stephen Carpenter dándole duro a la novena cuerda de su ESP ("Ohms" es el primer disco de la banda en contar con guitarras de nueve cuerdas) y Chino Moreno dándole duro a sus cuerdas vocales. El papel de Frank Delgado en samples y teclados es fundamental en esta pieza. Recién en "Pompeji", cuya intro recuerda a "Change (In The House Of Flies)", Deftones baja unas cuantas revoluciones. Pero no del todo. Solo en las estrofas del tema. Y en sus dos últimos minutos, que dan lugar a un clima que pasea entre la oscuridad y la luz al final del túnel. Enganchado con dicho clima, llega "This Link Is Dead", otro de los grandes momentos de "Ohms", muy en la vena de "Urantia" aunque más denso y pesado en comparación. Chino Moreno no me dejaría mentir si leyera estas líneas. Le sucede "Radiant City", a mi criterio el mejor momento del disco. También muy similar a "Urantia" en cuanto a gancho, machaques y armonía. Si bien resulta similar, el tema en cuestión tiene su propia impronta. De la mano de "Headless", llega otro gran momento (y van... ). Nuevamente, la guitarra de Stephen Carpenter bien arriba, con todo el protagonismo, siempre sobre las melodías de Frank Delgado, la contundencia sin igual de Abe Cunningham, apoyado en todo momento por Sergio Vega, y la majestuosidad de Chino Moreno. El final, de mano del tema que le da nombre al disco, no es nada nuevo para quien esperaba este flamante lanzamiento, dado que fue editado como primer single el 21 de agosto pasado. Si bien los diez temas del opus son bien representativos de esta nueva etapa de Deftones, creo yo que este último tema es el que más representa al disco, aunque el mismísimo Terry Date no haya estado de acuerdo en lanzarlo como primer single. En poco más de cuatro minutos, nuclea todos los ingredientes con los que se hizo este gran registro.

La banda tenía planeada una gira norteamericana junto a Gojira y Poppy desde julio a septiembre de 2020, en plan promocional de "Ohms". Pero por más que obvias razones, nunca sucedió. Por lo que tendremos que esperar hasta 2021, por lo menos, para ver a Deftones en vivo presentando este gran disco, el cual a mi parecer se encuentra a la altura de "Saturday Night Wrist" (2006) y del homónimo de 2003 (e incluso por momentos, de "White Pony"). Disco en el que sin duda alguna, se pegó un volantazo en cuanto a dirección musical se refiere respecto a "Gore", su antecesor. Dicho volantazo seguramente obedece a que para la ocasión, se le dio más lugar a Stephen Carpenter y Abe Cunningham en la composición del disco. No es casualidad que la ESP de nueve cuerdas de Carpenter tenga un rol protagónico por excelencia en el disco. Sea cual sea la dirección que elija Deftones, creo yo que están en condiciones de triunfar. Así como vienen triunfando desde hace veinticinco años, de mano de "Around The Fur".


Tracklist:

01. Genesis (05:17)
02. Ceremony (03:27)
03. Urantia (04:30)
04. Error (04:50)
05. The Spell of Mathematics (05:27)
06. Pompeji (05:25)
07. This Link Is Dead (04:37)
08. Radiant City (03:35)
09. Headless (04:59)
10. Ohms (04:10)

Duración: 46:17

A veinte años de "White Pony"

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Año 2000. Cambio de década. Las grandes corporaciones preocupadas por el efecto Y2K en sus computadoras, el cual finalmente nunca se termina manifestando. Carlos Santana consigue ocho premios Grammy, igualando el récord que poseía Michael Jackson, logrado en 1983. Y mientras tanto, los norteamericanos Deftones editan su tercer registro de estudio, "White Pony".

El disco se edita el 20 de junio de 2000, coincidiendo con el natalicio número veintisiete de su frontman, Camilo Wong "Chino" Moreno, considerado en aquel entonces como uno de los mejores cien cantantes de Metal de todos los tiempos según la revista Hit Parader. Existen cuatro ediciones diferentes de "White Pony", cuyo nombre hace referencia a las drogas, principalmente a la cocaína (aunque Moreno aclara que el nombre tiene distintos significados, incluyendo uno sexual). En su fecha de lanzamiento, se lanzaron copias numeradas de edición limitada en formato jewel case en colores rojo y negro. Las dos ediciones de diferentes colores también presentaban diferentes booklets. Ambas versiones de edición limitada incluían "The Boy's Republic" pero no "Back to School (Mini Maggit)". La edición con portada gris fue lanzada como la versión inicial no limitada del álbum y no incluía "The Boy's Republic". Esto, junto con las versiones en rojo y negro, era la versión debidamente secuenciada del álbum como la banda pretendía. La versión gris fue reemplazada por la versión blanca actual, que agregó "Back to School (Mini Maggit)" como la primera pista. Se trató de una estrategia de marketing con la cual Moreno declaró no estar satisfecho. El lanzamiento original también fue editado en vinilo rojo transparente para una tira promocional de aproximadamente mil copias. El sucesor de "Around The Fur" (1997) es nuevamente producido por el aclamado Terry Date (Bring Me The Horizon, Soundgarden, Pantera, Limp Bizkit, White Zombie, Overkill, Slipknot, Dream Theater, The Smashing Pumpkins... ) y es uno de los más aclamados de la banda, junto al antes mencionado "Around The Fur", siendo todo un éxito de ventas, terminando el año 2000 en la tercera posición del Billboard de ese año. "White Pony" marcó un significativo crecimiento en el sonido de la banda y se considera un punto de inflexión en su historia en términos de experimentación, empleando un sonido rockero cada vez más experimental e incorporando influencias de new wave, dream pop, trip hop, shoegaze y post-rock en el sonido de metal alternativo por el que se habían hecho conocidos. "White Pony" también fue el primer álbum en presentar a Frank Delgado como miembro de tiempo completo de la banda como DJ y tras el sintetizador. Delgado había trabajado previamente con la banda como invitado destacado en "Around The Fur" y "Adrenaline" (1995), produciendo efectos de sonido en algunas canciones. También fue el primer disco de Deftones en el que Chino Moreno comenzó a aportar como guitarrista rítmico.

En los cuatro meses que la banda invirtió en el estudio para componer y grabar el disco (siendo la mayor cantidad de tiempo que la banda le dedicó a un disco hasta hoy), surgieron en total trece temas, de los cuales once corresponden a la edición standard. El arranque, de la mano de "Feticeira" ("hechicera" en portugués) propone cambios de todo tipo, pasando de estrofas estáticas y más bien lentas, a estribillos rápidos y rabiosos, desembocando en un final distorsionado y a puro gutural. Le sucede el cuasi trip-hopero "Digital Bath", cuya lírica trata infelizmente sobre un femicidio siniestro y oscuro que consiste en la eletrocución de una mujer en una bañera, para luego secarla y vestirla. Claramente, uno de los puntos más oscuros del disco, tanto a nivel lírico como musical. Le sigue "Elite", uno de los puntos más altos y metaleros del disco. El tema, que ganó la terna de mejor performance de metal en los Grammy Awards de 2001, se burla de todos aquellos que tratan de ser lo que ya son, según el frontman. "RX Queen", considerado el tema más futurista del disco, habla sobre un hombre que está enamorado de una mujer que tiene muchos problemas de salud. De ahí la sigla "RX", que significa "prescripción médica". Recién en "Street Carp", la banda tiende a volver a sus raíces. El tema rememora los tiempos que corren, redes sociales mediante, en donde se produce un encuentro callejero inesperado entre dos personas que se conocen hace tiempo e interesan entre sí, pero la realidad es que no quieren hablarse. En "Teenager", el trip hop vuelve a apoderarse del disco. Guitarra acústica y experimentación con sonidos electrónicos. Se trata del primer tema de Deftones en el género dream pop, estilo que Chino Moreno continuaría explorando con su proyecto alterno, Team Sleep, así como en los futuros discos de Deftones. "Knife Prty" mantiene un furioso patrón constante desde el inicio y hasta el final, exceptuando el fragmento donde la cantante; productora y actriz Rodleen Getsic hace de las suyas, casi emulando a la corista Durga McBroom en el clásico de Pink Floyd, "The Great Gig In The Sky". A continuación "Korea", con toda la rapidez; pesadez e intensidad a flor de piel. Se trata del primer tema que se compuso para "White Pony", el cual habla sobre el mundillo nocturno; drogas y desnudistas. "Passenger" es otro de los momentos más oscuros del disco, con Maynard James Keenan de Tool como invitado de lujo. El tema trata sobre unos amigos que se ven involucrados en un accidente automovilístico, en el que el copiloto pierde la vida. Le sucede "Change (In The House Of Flies)", primer corte del disco, devenido en hit radial. Una cuasi-balada compuesta por suaves estrofas y fuertes estribillos con coros que se expanden progresivamente. "Es una canción metafórica. Puedes tomarla de forma literal, como si yo viera a alguien transformarse en una mosca, y luego la atrapara y le arrancara sus alas mientras me río, en consecuencia de alguna forma pierdo mi vida", explica Moreno. Y el último tema del disco, al menos en la edición standard, llega de la mano de "Pink Maggit", la cual comienza minimalísticamente, con un frontman que gime tras el micrófono, pero que luego toma cuerpo y densidad, desembocando en los latidos de un corazón que de a poco se va apagando. "Back to School (Mini Maggit)", incluído en una de las ediciones especiales, es una reinterpretación de "Pink Maggit" con influencias de rap y hip-hop. Una vez editado, Chino Moreno se lamentó de haberla incluído en el disco. Y "The Boy's Republic", incluído en otra de las ediciones limitadas, trata sobre la búsqueda desesperada de redención, en un plan bien a lo Deftones.

Estilísticamente, "White Pony" mezcló el sonido de metal alternativo de la banda, influenciado por bandas como Tool; Faith No More y Nine Inch Nails, con la atmósfera de "Pornography" de The Cure. El tercer disco de Deftones, a veinte años de su edición, resulta atemporal, básico y necesario para comprender el cambio de paradigma en la música pesada contemporánea, en la cual Deftones sigue desenvolviéndose como uno de los principales exponentes.

Iron Maiden - Estadio Vélez Sarsfield (sábado 12 de octubre de 2019)

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Finalmente, y a casi un año del inicio de la venta de localidades, Iron Maiden visitó Argentina por undécima ocasión en el marco de la gira "Legacy Of The Beast". Ocasión un tanto especial dado que un día antes del show, los integrantes de la banda fueron recibidos en el Congreso Nacional como visitantes de honor de la República Argentina y de su H. Cámara de Diputados. Para dicho homenaje, solo se presentaron el baterista Nicko McBrain (67); el guitarrista Janick Gers (62) y el multifacético y siempre carismático Bruce Dickinson (61). El resto de la banda, es decir el bajista Steve Harris (63) y los guitarristas Dave Murray (62) y Adrian Smith (62), optaron por quedarse descansando en el hotel Four Seasons. En la ceremonia de homenaje, el único miembro en tener la palabra fue el frontman de la banda, quien agradeció enormemente la distinción; comentó que le encantan la comida, los vinos y la cerveza de nuestro país (incluso dijo que le gustó nuestra IPA, vaya a saber uno cuál) y por último, dijo que la próxima visita de la banda, lógicamente sin fecha confirmada, sería en River. No dijo un estadio más grande. Dijo River. La banda hizo de las suyas en el estadio en cuestión en 2013, en el marco de la recreación de la gira Maiden England, por lo que lo conocen perfectamente, sabiendo la cantidad de gente que alberga cuando se habla de shows en vivo.

Días antes del show en Buenos Aires, es decir la anteúltima parada de la gira "Legacy Of The Beast", llovió mucho. Muchísimo. Y el sábado en que la Doncella se presentó una vez más en Argentina no fue la excepción. Desde la madrugada del sábado hasta poco después de las 16:00 (horario en que abrió sus puertas el Pepe Amalfitani del barrio de Liniers) llovió bien duro. Con ganas. Rayos, centellas e incluso granizo. Si bien los medios anticiparon que el show no se suspendería, la cantidad de agua caída hizo pensar a muchos sobre la posible cancelación del evento. Incluso la mismísima productora tuvo que salir a decir que si las condiciones no estaban dadas en un 100%, lamentablemente el show se cancelaría definitivamente, no dando lugar a su postergación dadas las próximas obligaciones de la banda, entre las que se encuentran dos fechas en Santiago de Chile, descansar y permitir que Bruce Dickinson finalice su nuevo disco solista, el cual oportunamente saldrá a mostrar en vivo. Pero dejó de llover. Finalmente, la lluvia cesó.

La sobremesa de turno estuvo a cargo de los locales Serpentor y su thrash ala Testament. La banda, que cuenta con una gran base de fans, comenzó sonando mediocremente. Hasta que en un determinado punto de la tarde, el sonido recuperó protagonismo y la banda pudo terminar su set a todo trapo. A su término, The Raven Age se apoderó del escenario. La banda, formada por el guitarrista George Harris (hijo de Steve), desplegó su propuesta de metalcore melódico por poco más de media hora, con un sonido realmente contundente.

Pasadas las 21:20, las luces del Fortín de Liniers se despidieron por dos horas, dando lugar a la previa al plato fuerte de la noche, con "Transylvania" sonando de fondo, mientras en las dos pantallas laterales de alta definición se dejó ver la promo del juego que le dio nombre a la gira. A su término, comenzó a sonar el clásico "Doctor Doctor" de UFO, una de las bandas favoritas del antes mencionado Steve Harris, dando pie al discurso de Winston Churchill a modo de intro para el primer tema del set, "Aces High". A lo largo y ancho del tema, se dejó ver una réplica casi exacta (90%) de un Supermarine Spitfire Mk Vb, matrícula AA853, del escuadrón 302 de la Fuerza Aérea Real, activo durante la Segunda Guerra Mundial. De esta manera, Iron Maiden dio por inaugurado su set, dividido en tres partes: un set basado en la guerra (compuesto por "Aces High", "Where Eagles Dare", "2 Minutes to Midnight", "The Clansman" y "The Trooper"), otro set basado en la religión ("Revelations", "For the Greater Good of God", "The Wicker Man", "Sign of the Cross", "Flight of Icarus" y "Fear of the Dark") y un tercer set basado en el infierno ("The Number of the Beast" y "Iron Maiden", seguido por los bises "The Evil That Men Do", "Hallowed Be Thy Name" y "Run to the Hills"). Como siempre, aunque esta vez más ambiciosamente, tanto el escenario como el frontman Bruce Dickinson se vistieron de diferentes maneras entre tema y tema. En "The Clansman", el cantante hizo de las suyas con una espada en mano en todo momento. Espada que también utilizó para un mano a mano con Eddie, eterna mascota de la banda, durante los solos de "The Trooper". Y si hablamos de "The Trooper", más de uno estuvo de acuerdo en que vivimos la mejor versión en vivo del tema, al menos en esta parte del mundo. No solo por la destreza vocal de un encendidísimo Dickinson y por supuesto de sus pares en sus respectivos instrumentos, sino porque a diferencia de ocasiones anteriores, el cantante no solo hizo flamear la bandera de la confederación inglesa sino además la argentina, la cual ofició además de fusil con el cual Eddie fue baleado más de una vez. Al término del tema, se dejó ver en ambas pantallas el dedo mayor de Eddie, quizás en señal de disconformidad por haber sido derrotado por Bruce con su espada. O en señal de venganza o chiste interno por los constantes silbidos recibidos durante el flameo de la bandera inglesa en visitas anteriores de la banda. Vaya uno a saber. La realidad es que el dedo mayor de Eddie se dejó ver en todos los países, no solo en Argentina.
Para el debut de "Flight Of Icarus" en Argentina, los protagonistas fueron un inmenso Icaro alado en el fondo del escenario y, nuevamente, el frontman de Iron Maiden y sus dos lanzallamas, uno en cada mano, personificando los rayos del sol que llevaron a Icaro a su triste deceso al derretirse la cera con la cual hizo sus alas, motivo de su ambición por intentar llegar a la mayor estrella del sistema solar.
Si bien la totalidad de los temas fueron festejados y vitoreados como siempre, los más aplaudidos fueron "Fear of the Dark" y "The Number Of The Beast". El primero quizás por tratarse de uno de los temas más queridos por el público argentino, que deja su garganta cuando Dickinson le hace cantar el nombre del tema (prueba de ésto, la versión en vivo en el estadio Ferrocarril Oeste de 2008, la cual quedó registrada en el DVD "Flight 666", grabado durante el primer tramo de la gira "Somewhere Back in Time" de ese mismo año). Y el segundo, sencillamente por tratarse de uno de los varios himnos de Iron Maiden. En total, fueron dieciseis los temas ejecutados. Cuatro pertenecientes a "Piece Of Mind" (disco que cumplió treinta y cinco años al inicio de la gira). Tres pertenecientes a "The Number Of The Beast". Dos a "Powerslave". Y uno de "A Matter Of Life and Death", "Brave New World", "Fear of the Dark", "Iron Maiden", "Seventh Son of a Seventh Son", "The X Factor" y "Virtual XI".
Para el tema que le da nombre tanto a la banda como a su disco debut, como es costumbre apareció una gran cabeza de Eddie. Para la ocasión, con grandes cuernos y aspecto feroz, en clara alusión a la gira que los sacó a pasear en mayo de 2018. Uno de los momentos más esperados del show. Finalmente, llegaron los bises de la mano de "The Evil That Men Do", "Hallowed Be Thy Name" y "Run to the Hills". Para el segundo tema del encore, se dejó ver a un Bruce Dickinson más artista que nunca, a la espera de ser colgado en una gran horca que bajó de lo alto del escenario, personificando al protagonista del tema, quien se encuentra próximo a ser ejecutado. Para el final, una vez más de la mano del galopante "Run To The Hills", el frontman hizo detonar el escenario con un artefacto similar al que utilizaba el coyote para atrapar al correcaminos, en el cual se leían escritas las siglas TNT.

Y de esta manera, Iron Maiden se despidió victoriosamente y por décimo primera vez de nuestro país, ante un colmadísimo estadio que albergó cincuenta mil personas. Personas que vivenciaron uno de los mejores y más ambiciosos shows en el país. Y sin discusión alguna, el mejor de la Doncella de Hierro en Argentina.



Setlist:

01. Aces High
02. Where Eagles Dare
03. 2 Minutes to Midnight
04. The Clansman
05. The Trooper
06. Revelations
07. For the Greater Good of God
08. The Wicker Man
09. Sign of the Cross
10. Flight of Icarus
11. Fear of the Dark
12. The Number of the Beast
13. Iron Maiden
14. The Evil That Men Do
15. Hallowed Be Thy Name
16. Run to the Hills

LILLAKE - "Memory Lies" (2019)

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Segundo disco de LILLAKE, banda norteamericana de Metal progresivo moderno (y con mucho groove) formada por ex-integrantes de Suicidal Tendencies, entre otros popes. En primer lugar, el Metal progresivo que predica la banda no tiene nada que ver con el Metal progresivo al que estamos acostumbrados y primero se nos viene a la mente, o sea Dream Theater. En segundo lugar, que la banda cuente con dos ex-miembros de los liderados por Mike Muir, no significa que la banda sea un clon de Suicidal Tendencies. Incluso en "Memory Lies", no hay vestigio alguno de los antes mencionados. Quizás algún que otro slap de bajo. En tercer lugar, no se dejen guiar por la portada. Si. Es fea. Para qué negarlo. Y en cuarto lugar, el baterista Eric Moore (también ex-Infectious Grooves) es sesionista del cantante italiano de pop Eros Ramazzotti. Habiendo enumerado estos cuatro puntos, no se dejen llevar por los mismos. Se van a encontrar con otra cosa. Como dije antes, se van a encontrar con mucho groove, alguna que otra influencia de bandas modernas e incluso de los 90´s (Deftones, Life Of Agony, Alice In Chains y Faith No More, por ejemplo), muchísimos fills de batería y voces limpias y hardcore, entre otros elementos. Desde su concepción, en el año 2015, LILLAKE ha compartido escenario con bandas tales como Goatwhore, Crowbar, TesseracT, Meshuggah y Megadeth.



Formación:

Nico Santora - guitarra, voz (From The Throne, RattBlack, ex-Suicidal Tendencies, ex-The Faceless en vivo)
Bill Pogan - guitarra
Eric Moore - batería (T.R.A.M., ex-Infectious Grooves, ex-Suicidal Tendencies)
Alex Vazquez - bajo (ex-Abiotic)




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Origen: Nashville, Tennessee, EE.UU.
Genero: Progressive | Modern | Experimental | Groove Metal
Fecha de lanzamiento: 11/01/19
Formato: MP3
Tamaño: 90 MB
Calidad: 320 KBps
Tracklist:

01. Intro (00:33)
02. KMA (03:27)
03. Visceral Disillusion (04:37)
04. Waste (05:26)
05. I'm Saved (03:30)
06. Mask (03:46)
07. Wait For You (03:23)
08. Bed Of Lies (03:49)
09. Erased (05:12)
10. Going Away (04:36)

Duración: 38min 19seg


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Dream Theater - "Distance Over Time" (2019)

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Edición limitada del décimo cuarto registro discográfico de estudio de los reyes indiscutidos del Metal Progresivo. Claro, me estoy refiriendo a Dream Theater. A diferencia de "The Astonishing", "Distance Over Time", grabado entre junio y septiembre de 2018, es un disco más conciso; centrado y pesado. Incluso la mismísima banda comparó la velocidad y estilo del proceso de composición del nuevo disco con el de "Train Of Thought", editado en 2003. Con solo cincuenta y siete minutos de duración, sin incluir el bonus track "Viper King", "Distance Over Time" es el primer registro de estudio de Dream Theater con una duración inferior a una hora desde "Images And Words" (1992), y su más corto desde "When Dream And Day Unite", el disco que marcó el debut de la banda en 1989. "Distance Over Time" es el tercer disco de estudio de la banda que no presenta ninguna canción de más de diez minutos, después del antes mencionado "When Dream And Day Unite" y "The Astonishing" (2016), y el primero en incluir una canción con letras escritas por Mike Mangini, el sucesor de Mike Portnoy, quienes muchos fans extrañan en demasía (me incluyo). El segundo disco de esta edición limitada incluye las versiones instrumentales del primero.



Formación:

John Myung - bajo (The Jelly Jam, ex-Gordian Knot, ex-Platypus)
John Petrucci - guitarras, coros (Liquid Tension Experiment, ex-Nightmare Cinema)
James LaBrie - voz (Roswell Six, True Symphonic Rockestra, ex-Frameshift, ex-Mullmuzzler, ex-Nightmare Cinema, ex-Winter Rose)
Jordan Rudess - teclados (Liquid Tension Experiment, ex-Dixie Dregs)
Mike Mangini - batería (ex-Annihilator, ex-Extreme, ex-Mullmuzzler, ex-Steve Vai, ex-Stygia)




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Origen: Long Island, New York, EE.UU.
Genero: Progressive Metal
Fecha de lanzamiento: 22/02/19
Formato: MP3
Tamaño: 300 MB
Calidad: 320 KBps (CD RIP)
Tracklist:

CD 1

01. Untethered Angel (06:14)
02. Paralyzed (04:17)
03. Fall Into The Light (07:04)
04. Barstool Warrior (06:43)
05. Room 137 (04:23)
06. S2N (06:21)
07. At Wit's End (09:20)
08. Out Of Reach (04:04)
09. Pale Blue Dot (08:25)
10. Viper King (04:00) *

* bonus track

Duración: 60min 51seg


CD 2

01. Untethered Angel (instrumental) (06:14)
02. Paralyzed (instrumental) (04:17)
03. Fall Into The Light (instrumental) (07:04)
04. Barstool Warrior (instrumental) (06:43)
05. Room 137 (instrumental) (04:23)
06. S2N (instrumental) (06:21)
07. At Wit's End (instrumental) (09:20)
08. Out Of Reach (instrumental) (04:04)
09. Pale Blue Dot (instrumental) (08:25)
10. Viper King (instrumental) (04:00) *

* bonus track

Duración: 60min 51seg



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